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Presentación del trabajo en proceso

El lunes, 30 de abril presentamos zoomɯooz (Trabajo en proceso) en el mARTadero / Cochabmaba. Será un live-video de corta duración con una charla en seguida.

Habrá un live-streaming para los que no pueden asistir:http://www.ustream.tv/channel/martadero

Karla Kracht y Andrés Beladiez

INFO

Lunes 30 de abril 20:00 hrs

mARTadero | Sala de la carne robada

27 de agosto

Cochabamaba

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Public presentation of the work in progress

On monday, april 30 we’ll present zoomɯooz (work in progress) at mARTadero / Cochabmaba. It will be in form of a short live-video-performance and a little talk afterwards.

For those who can’t assist, there’ll be a live streaming of the event athttp://www.ustream.tv/channel/martadero

Karla Kracht y Andrés Beladiez

INFO

Monday 30.04.2012

20h (Bolivian Time » 2AM EUROPEAN TIME)

mARTadero | Sala de la carne robada

27 de agosto

Cochabamaba

ZOOMWOOZ ::: Trabajo en proceso | mARTadero | Arte y Cultura | Cochabamba Bolivia.

Karla Kracht, artista Alemana que trabaja con instalaciones de arte y montaje audiovisual, y Andrés Beladiez, director y actor de teatro en España, conversaron con el proyecto mARTadero acerca de su residencia artística, sus proyectos actuales y su visión de Cochabamba.

Entrevista a Karla Kracht y Andrés Beladiez – 22 de marzo de 2012 – Por proyecto mARTadero.

Esta entrevista puede ser difundida y reproducida libremente bajo una licencia Creative Commons BY SA.

Proyecto mARTadero: Estamos en una entrevista con Karla Kracht y Andrés Beladiez. Buenas tardes, preséntense por favor.

Karla Kracht: Soy Karla Kracht, artista visual. Sobre todo, trabajo en el video-arte directo, en instalaciones de video y estamos aquí en la residencia en el mARTadero para desarrollar un nuevo proyecto.

Andrés Beladíez: Yo soy director de escena. Trabajo teatro y danza

PM: ¿Cuándo comienzan a trabajar con instalaciones de arte?

KK: Esa es una buena pregunta. Ya en la universidad cuando estaba estudiando empezaba a hacer instalaciones, sobre todo de video, objeto-video. No solo video sino que tenía que ver con el espacio también.

AB: Esta es la… casi, casi la primera.

PM: Y, ¿cómo es que empiezan a trabajar con instalaciones?

KK: Por mi parte estaba trabajando en la universidad sobre todo la imagen fija: el dibujo, la pintura. Luego, tenía la necesidad de ampliar esta imagen y empezaba con el dibujo animado y el video, y eso me quedaba demasiado, dos dimensional, corto, tenía la necesidad de ponerlo más en el espacio. Sigo buscando maneras de cómo poder trabajar con el video, la imagen en movimiento y el espacio.

PM: ¿Cuál es su principal intención con el público al momento de presentar sus obras?

AB: Depende de cada pieza.

PM: ¿En ésta?

AB: Pues estamos ahora mismo desarrollando un sistema de interacción con el público.

PM: ¿Quieren que el público se meta en la obra, que sea parte de ella?

KK: Que juegue realmente con la obra, interacción, hablamos del momento de interacción con muy baja tecnología. Que realmente el espectador pueda tocar cosas, cambiar cosas, y, bueno, cambiar la imagen del completo de la instalación.

AB: Jugar.

KK: Sí, jugar. Es eso.

PM: Ustedes manejan bastantes tecnologías como herramientas en sus obras, ¿cuál es la lógica que manejan al momento de introducir estas tecnologías a la obra?

AB: La necesidad. Si necesitamos algo utilizamos la tecnología para que podamos conseguir eso. No nos interesa demasiado la tecnología en sí, por sí misma; nos interesa lo que podemos hacer con esa tecnología. Si lo necesitamos lo usamos, sino no.

KK: Si puede contribuir en algo al concepto o al resultado, sí. 

PM: Después de una larga carrera, ya trabajando con arte, ¿dirían que su obra ha ido adquiriendo una identidad particular?

KK: Yo creo que siempre, aunque uno no lo vea tanto, pero sobre todo si uno trabaja manualmente, siempre hay un sello, ¿no? Igual cuando incluso un niño de cuatro años o de cinco dibuja tú sabes si es de un niño o del otro, siempre hay una identidad.

PM: ¿Cual es la identidad que ha ido adquiriendo su trabajo en estos años?

AB: Es que nosotros somos artistas, entonces preguntarnos eso… a lo menos es mejor preguntar a un crítico de arte o… Nosotros nos expresamos con lo que creamos más que con palabras.

PM: ¿Hay alguna razón especial por la que hayan postulado al programa de residencia prAna del mARTadero?

KK: En especial que queríamos venir a Bolivia y trabajar aquí… no conocíamos el proyecto antes pero estuvimos buscando residencias en Bolivia y encontramos dos. Realmente nos interesaba mucho el mARTadero. Hablamos con Fernando directamente y nos gustó mucho el proyecto y por eso estamos acá.

PM: Coméntenme sobre el proyecto en el que trabajan actualmente ¿Cómo nace “Zoomwooz”?

KK: En un bar en Berlín, después de haber visto una exposición mediocre tenía la primera idea, que venía de… bueno, venía de un un proyecto que también hicimos juntos. Es una performance audiovisual que busca utilizar lo menos de tecnología, hacer un trabajo lo más manual posible. En Live from the Surface of the Moon tenemos una maqueta de la superficie de la luna y muchos personajes dibujados a mano y, bueno, en este bar en Berlín venía esta idea de hacer como una instalación, con la misma base de una maqueta pintada a mano y comparar el funcionamiento de la sociedad con los procesos de un ordenador. Esa era la base, la primera base, de allí empezamos a hacer la torre.

AB: De ahí a jugar

PM: Después de haber trabajado en varios países, ¿por qué decidieron apostar por la creación de esta obra en Bolivia?

AB: En realidad es un proceso. El proceso creativo lo iniciamos aquí y lo acabaremos en diciembre de 2012 o enero, febrero de 2013 en Corea del Sur. Queríamos empezar en un lugar donde la tecnología no estuviera tan avanzada… donde íbamos a acabar porque estamos hablando de procesos sistémicos, entonces nos interesaba mucho estar en diferentes sitios donde se ve la vida de diferente forma, nos parecían muy buenos polos: Corea y Bolivia.

PM: Hasta ahora, ¿ha habido algunos percances u obstáculos que les impidan ir concretando esta obra?

AB: No, de momento todo sigue.

KK: Sí, sí. Es la belleza del paisaje.

PM: ¿Ha habido algún cambio en la idea original de la obra causada por el contexto local?

AB: Si no hubiera habido cambios por mal camino íbamos. Se trata de eso precisamente. Yo creo que por el hecho de estar en una residencia tienes que embeberte de lo que hay a tu alrededor y eso provoca, quieras o no, un montón de cambios.

KK: Y sobre todo esto ¿no? Que como lanzamos el proyecto aquí, se está desarrollando a cada minuto, va avanzando. Claro que hay cambios en ese desarrollo, viendo las cosas que igual no van a funcionar o que es imposible hacerlo así en el tiempo que tenemos.

PM: ¿Qué tipo de hechos más o menos han generado estos cambios?

AB: Todo. El contacto con la gente, la geografía del lugar, la arquitectura. Todo.

KK: Y las pruebas que hacemos también. El trabajo práctico.

PM: Con su experiencia aquí, ¿cuál es su percepción sobre el proyecto mARTadero como espacio de gestión cultural y apoyo a la creación artística?

KK: ¿Para nosotros? Pues, a mi me parece un proyecto muy interesante, muy, muy… ¿Cómo es? No es atrevido, ¿Cómo es la palabra?… que realmente, no es atrevido pero es realmente bueno. Yo veo Cochabamba, veo la vida cultural y veo este proyecto, y me parece súper que se haga aquí y no en La Paz o en Santa Cruz.

AB: Es un rompehielos

KK: Sí, exacto, eso.

AB: Es un rompehielos, va avanzando y va abriendo caminos.

KK: Y es como… claro, necesitas cojones para montar un proyecto así aquí, eso no se como expresarlo en otra manera.

AB: Es un proyecto artístico tan involucrado y tan implicado en lo social, y tan necesario por otra parte.

PM: ¿Cuál dirían que es la principal diferencia entre la escena artística boliviana y europea?

KK: En Europa hay dinero para el arte, bueno había. La percepción de lo que es un artista en la sociedad cambia de país a país en Europa, pero es como… respetado como un trabajo en la mayoría de los países. En España menos, en Francia es lo máximo ser artista, y aquí creo que no hay ese concepto de que tú puedas trabajar (vivir) del arte contemporáneo, de lo que veo yo.

PM: Como que no puedes vivir del arte…

KK: No puedes vivir del arte porque no hay el mercado, no hay el público, esta muy…

AB: Muy incipiente.

KK: Es un círculo muy pequeño.

PM: ¿Qué rescatarían de su experiencia en Cochabamba? ¿Qué imagen llevan de Cochabamba y su producción artística?

KK: Muchas, muchas, muchas, muchas imágenes. Igual vamos a hacer como un video loco, un stop motion de todas las… es difícil decirlo porque estamos ahora aquí y aún estamos como tragando las influencias cada día ¿no? Pero seguro que nos vamos a llevar… bueno, igual nos haces esta pregunta dentro de medio año y sí la podemos contestar realmente.

PM: ¿Hay más proyectos que están surgiendo para hacer aquí en el mARTadero? ¿En Cochabamba?

KK: Tenemos, claro. Sólo el espacio ya provoca muchas ideas de lo que se puede hacer. Sólo mirando los espacios para dar el taller ¡wow! Es un sitio donde se puede hacer una instalación fantástica ya te vienen muchas, muchas ideas. Una… tú me estabas hablando de esa specific performance en varios sitios (dirigiéndose a Andrés Beladíez) porque aquí hay muchos lugares fantásticos, realmente, y menos prohibición que en Europa.

PM: Y trascendiendo la idea del espacio, ¿cómo es la respuesta de la gente a estas ideas que ustedes tienen, cómo les han ido respondiendo en cuanto a actitud sobre la producción?

AB: Bien, lo que ocurre es que también estamos hablando con gente muy cercana a la creación artística, todas las experiencias que hemos tenido de este tipo han sido hablando aquí en el mARTadero o bien dando los cursos que estamos impartiendo; es decir, con gente que tiene una sensibilidad determinada hacia el arte. Tampoco hablamos de este proyecto pues con… bueno, con la tendera sí hemos hablado de vez en cuando y nos miran así como bien, yo creo que les gusta. Tampoco somos algo que en medida les interesa, somos una novedad, pero por lo menos sonríen

PM: Y, ¿qué simboliza el espacio mARTadero para ustedes?

AB: Un lugar donde poder crear

PM: Y, ¿como artistas internacionales?

KK: Para crear, para vivir, para respirar, para intercambiar ideas.

AB: Para pensar un poquito de forma diferente, romper con los esquemas, para confrontar tus ideas con otras es algo siempre fantástico y aquí dentro es interesante, siempre hay gente dispuesta a hablar, a mantener una conversación o a lo que sea.

zoomwooz blog

brain 1.9

Moments. Eine Geschichte der Performance in 10 Akten ist eine Live-Ausstellung zur Geschichte und zum Verhältnis von Tanz, Performance und bildender Kunst. Über die gesamte Ausstellungsdauer hinweg werden Live-Acts gezeigt. Das Projekt erarbeitet und präsentiert vor und mit dem Publikum neue Formate und Methoden einer aktiven Darstellung von Performance-Geschichte im Museum. Thematisch im Zentrum von Moments steht die „heroische“ Periode der Performancegeschichte, die 1960er- bis 1980er-Jahre, und hier explizit Performance von Frauen. In diesen beiden Jahrzehnten fand eine radikale Neudefinition des Genres in einem engen Dialog performativer Bewegungen im zeitgenössischen Tanz und in der bildenden Kunst statt. Insbesondere Künstlerinnen beider Sparten überschritten bewusst die Genregrenzen und reflektierten dabei in gesellschaftspolitischem Zugriff männliche Blickkonstruktionen sowie die Gestenlogiken ihrer Kollegen. Über die Möglichkeiten der Darstellung dieser historischen Performances, des Abwesenden, des vergangenen Ereignisses, ist jüngst eine ebenso spannende wie kontroverse Debatte entbrannt. Moments stellt den musealisierenden Formaten der Re-Konstruktion von Performance neue Formen einer aktiven Weiterinterpretation von Geschichte entgegen.

Die Ausstellung baut sich in vier Phasen auf, in denen jeweils andere Akteure im Ausstellungsraum agieren:
Die Autorinnen und Akteurinnen bedeutender Performances der historischen Periode – Marina Abramović, Graciela Carnevale, Simone Forti, Anna Halprin, Lynn Hershman Leeson, Reinhild Hoffmann, Channa Horwitz, Sanja Iveković, Adrian Piper, Yvonne Rainer – dokumentieren, interpretieren und präsentieren in der ersten Ausstellungsphase ihre historischen Performances zum Teil selbst in spezifisch von ihnen gestalteten Ausstellungsdisplays. In einer zweiten Phase entwickelt eine Gruppe jüngerer Kollegen unter Leitung des renommierten französischen Choreografen Boris Charmatz live in der Ausstellung einen szenischen Akt um die zehn zentralen Momente der Performancegeschichte. Die Filmemacherin Ruti Sela wird diese künstlerische Annäherung der jüngeren Generation an die Performancegeschichte ihrer Vorgängerinnen dokumentieren und diesen Film in der dritten Phase im Ausstellungsgeschehen produzieren. Eine Gruppe Studierender bedeutender europäischer Hochschulen wird – in Funktion der „Zeugenschaft“ – den gesamten Prozess begleiten und unter Anleitung der Gruppe um Boris Charmatz sowie in Zusammenarbeit mit der ZKM | Museumskommunikation neue performative Methoden und Aktionen der Vermittlung historischer Performance an die Besucher entwickeln.

Die Ausstellung beginnt und endet dabei im leeren Museumsraum. Es baut sich, in einer Wechselbewegung zwischen Geschichte, medialer Dokumentation und Neuinterpretation, zwischen Zeugenschaft und Erinnerung – direkt vor den Augen des Publikums – ein neuartiges Ausstellungsformat auf. Zwischen dem Museums-Display und den interpretativen Akten der anwesenden Akteure, zwischen Performern, Zeugen und Publikum entstehen eine Vielzahl von dialogischen Situationen: die über Dokumente und installative Arrangements dargestellte, absente historische Performance und ihre in der Realzeit des Projekts aktivierten Spuren sind dabei die eigentlichen Darsteller dieses Projektes – die „Moments“.

Taller de Stop Motion y prácticas Live Video | mARTadero | Arte y Cultura | Cochabamba Bolivia.

Contenido del taller

El curso ofrece una primera aproximación a las técnicas y tecnologías digitales y analógicas necesarias para introducirse en el universo creativo de la video creación en directo. Se hablará sobre qué es el video en directo, utilizando maquetas, dibujo en directo, alejándonos del puro uso de ordenadores y maquinas…  los procesos, conceptos  y técnicas para crear un video performance desde la primer idea hasta la realización final.

Live video como algo realmente vivo, utilizando maquetas, dibujo en directo, alejándonos del puro uso de ordenadores y maquinas.

Requerimientos para los estudiantes

• Nociones básicas de lo que es la imágen en movimiento/ el vídeo a respecto de grabación y edición.

• Dispositivos para capturar imágenes en directo. Cualquier camara que se puede conectar a un ordenador para descargar las imagenes. (por ejemplo Cámara con firewire / Webcam / telefono celular con camera / camera fotografica).
• Computadora portatil con posibilidad de video out (VGA, RCA o S-Video)/ conectar a un proyector/TV.

Más de 500 millones de estrellas, galaxias y otros objetos celestes, captados por el telescopio espacial Wise, se recogen en un nuevo mapa completo del cielo, visto en infrarrojo, que ha presentado hoy la NASA. El telescopio, que dejó de funcionar hace un año, tomó más de 2,7 millones de imágenes en las que aparecen diferentes tipos de objetos celestes, desde asteroides cercanos hasta lejanas galaxias. Los científicos han estado procesando los datos (más de 15 billones de bytes enviados por el observatorio en órbita) hasta lograr el atlas completo, del que se había presentado un avance que cubría aproximadamente la mitad del cielo. El mapa del Wide-field Infrared Survey Explorer (Wise) aporta también un catálogo de las propiedades infrarrojas de los 560 millones de objetos individuales recogidos. La mayoría son galaxias y estrellas (en igual proporción unas y otras) y muchas de ellas no se habían visto antes, explican el Jet Propulsión Laboratory (en California), responsable de esta misión.

Restos de una explosión estelar, una supernova, captada en infrarroja por el telescopio Wise. / NASA / JPL-CALTECH / WISE TEAM

La astronomía de infrarrojo explora objetos y procesos fríos del universo. También el Sol emite en esta longitud de onda, pero sobre todo lo hace en luz visible. Pero también es la astronomía de lo oculto, dicen los científicos, porque hay muchos lugares del universo velados por nubes densas de polvo y gas que interceptan la luz visible pero que dejan pasar la infrarroja, por lo que esas nubes se convierten en transparentes para los telescopios de este rango. El Wise no fue el primero ni mucho menos, y ni siquiera el único en el espacio y no hay que olvidar, en los últimos años el Spitzer (también de la NASA), y el Herschel (de la Agencia Europea del Espacio), pero se diseñó precisamente para hacer un barrido completo del cielo, más que para centrarse en objetos concretos.

Entre la lista de hallazgos del Wise, los científicos de la misión destacan, por ejemplo una clase de estrellas especialmente frías, denominadas enanas Y, que los astrónomos han estado buscando durante años. Estos astros no brillan en luz visible y no se vieron hasta que este telescopio abrió sus ojos infrarrojos. Un descubrimiento inesperado, señalan los expertos de JPL , fue un asteroide que comparte la misma órbita que la Tierra alrededor del Sol. A partir de ahora, con el acceso libre a todos los datos, se esperan muchos más estudios y avances.

El Wise, con una masa de 750 kilos, fue lanzado al espacio el 14 de diciembre de 2009 y se colocó en órbita a 525 kilómetros de altura sobre la superficie terrestre. Su telescopio de 40 centímetros de diámetro estaba enfriado con hidrógeno, que duró hasta octubre de 2010. Cuando este refrigerante se agotó, la NASA aprobó una prórroga de la misión en caliente, es decir, utilizando el telescopio pero ya sin sistema criogénico. Finalmente se apagó el 17 de febrero de 2011. El coste del Wise fue de 300 millones de dólares.

Visionary 3D scanning, computer vision, and digital media guru Kyle McDonald is back again with more tools that break down the boundary between the computer and the world. Kyle tells us he spent a great part of the fall in residence at the Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM) in Japan. He worked with experimental projector/camera rigs — and now we get to enjoy some fruits of those labors.

http://interlab.ycam.jp/en/projects/guestresearch/vol1

The software collection is free and open source (MIT License), built for OpenFrameworks, and already includes some documentation. (The ideal is contributing back to the core of OF, adding to this artist-savvy C++ coding tool.)

Mapamok

A new experimental projection mapping tool called Mapamok is the major highlight for me. As Kyle tells CDM, “the idea is to get people away from clicking on so many points and drawing so many masks. Instead, you load a 3D model of the scene and then click on a small number of points (8 to 12 points), and the whole projection is automatically calibrated.”

Automatic mapping and calibration? Sounds good to me.

The tool is completely free, as part of the ProCamKit. There’s both a download an an (English) tutorial guide:
http://github.com/YCAMInterlab/ProCamToolkit/downloads
http://github.com/YCAMInterlab/ProCamToolkit/wiki/mapamok-%28English%29

Video, at top, is described thusly:

Music: “Mass” by Vaetxh [Vimeo]
mapamok is an experimental projection mapping application that is part of the Projector Camera Toolkit developed during Guest Research Project v.1 at YCAM Interlab.
This video demonstrates a workflow for fast projection mapping involving: measuring and modelling the scene (5-30 minutes) followed by installing and calibrating the projector (5 minutes). Because mapamok is built with openFrameworks, everything is rendered in realtime. This allows for the technique to easily be extended to interactive applications. Near the end, an example of an interactive sound+visual mapping is shown.

But there’s more to this kit, cool:

3D Scanning Meets Projection

“The 3d scanning + projection stuff is something I hinted at being possible a long time ago, back when I got started with structured light,” Kyle explains. “Elliot Woods has also done some great work using the [Microsoft] Kinect for relighting.”

For more on 3D scanning and Kyle’s “structured light” concept – an effect we’ve seen in a number of music videos now – everything is at the Google Code site, from code to discussion:
http://code.google.com/p/structured-light/

Here’s what’s happening now. (Alas, poor Yorick, I knew him, a fellow of infinite jest, of most excellent fancy. Also, glad he wasn’t a dissected frog. That’s just cruel.)

Music: “Hoofbeat” by Dustmotes [SoundCloud]
This video demonstrates an experimental projection mapping application that is part of the Projector Camera Toolkit developed during Guest Research Project v.1 at YCAM Interlab.
First, the scene (the skull) is scanned using gray code structured light. This scan data is decoded into a 3D point cloud. This is possible because the camera and projector are calibrated and the position and orientation of each is known in advance. At :33 there is a brief demo of editing a GLSL shader in realtime, making a minor change that changes the width of the projected lines. Then the skull itself is shown again, with the projection mapped visuals.

shadowplay

“The shadowplay work, i’m pretty sure it hasn’t been done like this before,” says Kyle. “It’s the first steps towards a bigger project I have in mind.” It’s a bit tough to follow, but the idea is aligning projectors, then – using the white light created by the two projectors – manipulating shadow in a way that would normally be physically impossible. It’s clearly just a first step, but you can see some compelling potential here that could evolve along a different path than we’ve seen before.

Actually, that said, for me the best part of this is hearing some of Kyle’s music, which is also lovely. (Is there anything you don’t do in digital media, Kyle?)

Music: “Say It” by kylemcdonald [SoundCloud]
shadowplay shows an experimental interaction paradigm built with the Projector Camera Toolkit, developed during Guest Research Project v.1 at YCAM Interlab.
This video demonstrates some shadowplay experiments, built around the idea of using two projectors that are perfectly aligned. The projectors display the inverse images of each other, so that without interference the screen appears white. When an object enters the space, the structure hidden in the projection is revealed in the shadows. The technical challenge of aligning the projections and calibrating the colors of the projection is solved with the Projector Camera Toolkit, using structured light scanning and some novel feedback-based calibration techniques.

http://github.com/YCAMInterlab/ProCamToolkit

Opening Performance──The Cod (20mins)
Performer: Diane Landry
Date & Time: 13/03  6:30pm
Venue: Pao Galleries
Free Admission


Media Art Exhibition — Cinema 2.0: “Altered States”
From single screen to interactive media, the use of space and form have been evolving all along.  ifva, in collaboration with art.ware, will be presenting “Altered States”, an exhibition of media art works from three renowned media artists including Jennifer & Kevin McCoy from the US and Diane Landry from Canada.  Ten finalist works of this year’s Interactive Media Category will be shown alongside.


Lost Shield /2005
Artist: Diane Landry

Mandalas in series Blue Decline /2002
Artist: Diane Landry

Soft Rains /2003
Artist: Jennifer and Kevin McCoy

Mussafah /2010
Artist: Jennifer and Kevin McCoy



The 17th ifva Interactive Media Category Finalist Exhibition
Pixel versus life; codes versus human thoughts; electronics versus internet plus a spectrum of magical interplay between images and time.  All ten selected works are courageous experiments of creativity that look for new perspectives in interactivity and new media aesthetics.


Pixel Bite
Artist: Ani Pui-hing, Diego Suárez Bárcena

Jsut Code
Artist: Winnie Soon, Helen Pritchard

Reflection
Artist: Henry Chu

Suits Uncool
Artist: Tam Kar-wing

Behind the Camera, Who are You?
Artist: Mak Yuen-shan

Squiggle
Artist: Henry Chu

Time Axis
Artist: Lam Miu-ling

Unreserved: Karaoke as Choir
Artist: Wong Yu-hin, Lam Chi-fai

Magnetphonic
Artist: Wong Fuk-kuen

Lawnmap Hong Kong
Artist: Choi Chi-hau


Discussion for the 17th ifva Interactive Media Category Finalist Works Exhibition
Date & Time: 17/03  5pm-6pm
Venue: Pao Galleries
Free Admission

see the festival brochure here

Exhibition, conference and publication

via Exhibition and conference | e-flux.

New exhibition opening 8 February 2012

A Trip to the Moon
8 February–8 April 2012

Rosa Barba, Marco Brambilla, Dara Birnbaum, Charlie Chaplin,  Douglas Gordon, Georges Méliès, Alex Reynolds , Lindsay Seers, Lillian Schwartz, Ryan Trecartin & Lizzie Fitch, Dziga Vertov, Ming Wong

International conference in Stockholm 9–10 March

Before and After Cinema

Torsgatan 19 | SE-113 90 Stockholm | Sweden
T +46 8 736 42 48
info@bonnierskonsthall.se | www.bonnierskonsthall.se

A Trip to the Moon is an exhibition on contemporary art’s relationship to film, and part of a series of exhibitions at Bonniers Konsthall that explore exchanges between contemporary art and closely related art forms like theater and literature. The title refers to film pioneer George Méliès’s 1902 science fiction film of the same name—a whimsical fantasy about the technology of the future from the earliest days of cinema. It provides the starting point for an exhibition in which ten contemporary artists play with film and its history in combination with a selection of historical footnotes.

New digital techniques inevitably result in older film formats ending up in the graveyard of the obsolete and the superfluous. This means the loss of a certain way of seeing, of a way of making pictures, and of a particular feeling created by a technique. How those shift, those births and deaths in the history of moving image, influence and change art is a major theme of the exhibition. A parallel theme of the exhibition includes artwork that looks closely at how the history of film forms our way of envisioning the world and creates our secondary selves.  Artists such as Douglas Gordon, Ryan Trecartin, Ming Wong and Alex Reynolds reuse and recast film narrative techniques, camera movements and characters originating from masters like Alfred Hitchcock and Ingmar Bergman, as well as the wider context of the Hollywood star system and TV’s celebrity culture.

The love affair between art and film started the moment the film camera was invented. In order to explore the relationship that has always existed between art and film, we place the modern exhibition pieces alongside a number of historical films by, in addition to George Méliès, Dara Birnbaum, Charlie Chaplin, Lillian Schwartz, and Dziga Vertov.

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source: Bonniers Konsthall 

A century after the first film experiments, moving image is an inevitable part of our visual culture. We interact constantly with moving images on different screens: computers, mobile phones and game consoles. With the development of portable equipment and social networks on the internet, the making, screening and distribution of film have become available to everyone. One could say that we have now reached the stage after film, a shift in technologies, maybe as decisive as the invention of film itself. A sad consequence of the invention of new technologies is that other techniques have to move to the graveyard of the outmoded and the obsolete. Those funerals also mean the burial of a certain vision.

How those shifts, those births and deaths in the history of the moving image, influence and change art is the core in this spring’s major exhibition project A Trip To the Moon.

In the exhibition viewers are presented with contemporary artists who employ moving imagery as their tool to express the theme of the history and future of filmmaking. The fascination of the field of visual arts with film extends right back to the moment the film camera was invented. In order to delve into the debate that has always existed between these two art forms, we will be screening a selection of historical feature films and shorter video installations as footnotes in the exhibition. Video art often serves as a commentary on the role of film in society as a whole, as well as exploring the vast possibilities offered by the medium of film.

_______  Footnotes in the exhibition ________________________________

In the exhibition A Trip to the Moon, viewers are presented with contemporary artists who employ moving imagery as their tool to express the theme of the history and future of filmmaking. The fascination of the field of visual arts with film extends right back to the moment the film camera was invented. In order to delve into the debate that has always existed between these two art forms, we will be screening a selection of historical feature films and shorter video installations. Video art often serves as a commentary on the role of film in society as a whole, as well as exploring the vast possibilities offered by the medium of film.

Dara Birnbaum, Technology/Transformation: Wonder Woman(1978-1979)

Dara Birnbaum first became known as one of the video installation world’s leading figures when she appropriated nothing more than clips from the cult-series Wonder Woman in her art film Technology/Transformation: Wonder Woman. The viewer follows secretary Diana Prince through action-filled scenes as she transforms into Wonder Woman, a character inspired by legendary Greek warwomen. After this production, Birnbaum took material from soap operas, pop quizzes and sports shows as a commentary on how TV media affects our lives.

Charlie Chaplin, Behind the Screen (1916)

As king of the silent film era, Charlie Chaplin acts out all possible hardships a stagehand can encounter during a film production in Behind the Screen. One of the film’s side stories looks upon a woman who dresses as a man in able to work as a carpenter. Chaplin’s character sees through her act and begins courting her. Their flirtatiousness is discovered at an intimate moment and they are accused of being homosexuals. Early days for a debate of its kind!

Lillian Schwartz, Pixillation (1970) 

Since the advent of the computer, artists and experimental film producers have trialled and tribulated over just how to create digital imagery. Lillian Schwartz was one of the first to carve the path for today’s use of computer graphics, 3D and animation. Pixillation is one of the earliest video installations that was created entirely digitally, displaying abstract colourful designs that transform shape along to a beating soundtrack.

Georges Méliès, A Trip to the Moon (1902) 

Méliès silent adventure film made a huge impact when it was released in 1902. A Trip to the Moon deals with a group of people who travels to the moon – from this film the science fiction genre was born. The plot is loosely based on Jules Vernes’ book From the Earth to the Moon, as well as The First Men in the Moon by H.G. Wells.

Dziga Vertov, The Man with a Camera (1929) 

Dziga Vertov was one of the Soviet Union’s most important filmmakers, and The Man with a Camera had a deciding impact on the development of film. This film displays city life in the Soviet Union through the eye of the filmmaker. ThroughThe Man with a Camera, Vertov introduced such innovative filming techniques as camera tracking, fast and slow motion, and double exposure.

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The exhibition will be followed by a new anthology, A Trip to the Moon, with contributions by the artists in the exhibition and writers like Sara Arrhenius, Christiane Paul,  Don DeLillo, Jan Holmberg, and Gene Youngblood. Release date March 9.

Before and After Cinema
Conference 9–10 March, 2012
Cinema Sture,
Birger Jarlsg. 41 A, Stockholm

Before and After Cinema is an international conference on the status of the moving image in contemporary art, in the perspective of the shift from analogue to digital media, and what this means to distribution, perception, archiving and the making of art and film. The conference is a part of a larger collaboration between Bonniers Konsthall and Moderna Museet in Stockholm. The conference is co-produced by Stockholm Academy of Dramatic Arts.

Participants:
Eija-Liisa Ahtila: Artist
Sara Arrhenius: Director Bonniers Konsthall
Daniel Birnbaum: Director Moderna Museet, Stockholm
Dara Birnbaum: Artist
Jan Holmberg: CEO of the Ingmar Bergman Foundation and Curator of the Ingmar Bergman Archives
Magdalena Malm: Director Mobile Art Production, Stockholm
Christiane Paul: Director of Media Studies Graduate Programs and Associate Prof., School of Media Studies, The New School , Adjunct Curator of New Media Arts, Whitney Museum of American Art.
Ming Wong: Artist

What kind of impact have film and the moving image had on art from the early 20th century until today? How is this relationship likely to develop in the future? What is the significance of the rapid changes that occur in the transition from analogue to digital? These are some of the issues that will be discussed in Before and After Cinema.

The speakers of the conference are all renowned international artists and scholars. On the first day, pioneering video artist Dara Birnbaum will set the tone for the discussion, talking about her career, spanning 40 years, as an artist working with moving images.

During the second day, theory will be alternated with examples from artistic practices. Christiane Paul, Director of Media Studies at The New School and Adjunct Curator of New Media Arts at the Whitney Museum of American Art, will discuss a number of artists who have developed the moving image by employing new technology and new manners of displaying art. Jan Holmberg, managing director of the Ingmar Bergman Foundation and the Ingmar Bergman Archives will discuss if digitalisation is the answer when analogue techniques are neglected and we risk losing large parts of the infancy of cinema.

The artists Eija-Liisa Ahtila and Ming Wong will conduct a conversation each with Daniel Birnbaum and Sara Arrhenius respectively. In several works, Ming Wong has recreated films by directors such as Fassbinder and Antonioni. Usually he also plays most of the roles in his new versions, which gives them a completely different meaning. In Bonniers Konsthall’s current exhibition A Trip to the Moon, Ming Wong shows a new work based on Ingmar Bergman’s Persona. Bonniers Konsthall’s director, Sara Arrhenius and Ming Wong will discuss his relationship to film, actors and acting.

Eija-Liisa Ahtila is currently exhibiting Parallel Worlds at Moderna Museet. Her filmic installations challenge ingrained perspectives and introduce us to new worlds of experience. A distinctive story teller in moving images, she highlights and visualises what it means to be human and a subject. Ahtila wants to make the viewer aware of how our perception of the surrounding world is both determined and restricted by our senses. In “Before and After Cinema”, Eija-Liisa Ahtila will discuss the thematics of her exhibition and her works with the director of Moderna Museet, Daniel Birnbaum.

Jan Holmberg: Ars longa? Not cinema, at least

In some hundred years, all analogue films will be lost. Large parts of the infancy of cinema have already disappeared and later films have become bleached in colour and the sound has lost its timbre. Is digitisation the answer? The most probable answer is no. Digital archives have to be updated constantly and the lifespan of hard drives and discs is considerably shorter than that of analogue film. The swift transition into the digital age may mean that even more of film history will be lost. Jan Holmberg is the managing director of the Ingmar Bergman Foundation and the Ingmar Bergman Archives.

The day will be concluded by a panel discussion featuring Eija-Liisa Ahtila, Sara Arrhenius, Daniel Birnbaum, Dara Birnbaum, Jan Holmberg, Christiane Paul and Ming Wong. The moderator is Magdalena Malm.

The “Before and After Cinema” conference is a part of a larger collaboration between Moderna Museet and Bonniers Konsthall on the status of the moving image in 20th-century and contemporary art. The project is set up as a dialogue between the two participating institutions with a series of exhibitions. In conjunction with the exhibitions, a series of film programmes curated by invited guests will be screened at Cinema Sture.

Cinema Sture, Birger Jarlsgatan 41, Stockholm
Tickets are booked through Cinema Sture,  T +46 8-5629 4880, and picked up upon arrival.
For press tickets, contact sofia.curman@bonnierskonsthall.se

For detailed programme and more information about the speakers and the program, please visit www.bonnierskonsthall.se.

CASTELLANO ABAJO

Tomorrow night I present Live from the Surface of the Moon at Goethe-Zentrum Santa Cruz de la Sierra

Thursday, 8 March 2012 - 20:00
Goethe-Zentrum Santa Cruz de la Sierra

C/ 24 de Septiembre # 36

Casilla 790

Santa Cruz de la Sierra

DESCRIPTION

Live from the Surface of the Moon is an audiovisual performance, where a mix of old, analogue lo-fi techniques deriving from visual arts and theatre (painting, use of mirrors, mirror, mini-stage, objects, lo-fi theatre lightning, analogue sound recordings) with contemporary live technologies (live camera, VJ tools, live video mix, midi for sound and image) is employed. The result is an organic, surrealistic and humorous journey through space and time. A live broadcast from the moon and the outer space around it.

Karla Kracht transports us to the outer space, the Moon and its dark side, black holes… Using small, hand-painted sets of the moon’s surface as the scenery for this animation, Miniature paper characters surprise us with their unpredictable adventures. All this happens in real time, mixing stop-motion techniques, model constructions and light design with a videocamera and live cinema software.

Ilia Mayer creates dark and spooky sonic landscapes in real time, manufacturing distorted cacophonies from extraterrestrial worlds, samplers of unknown origin and proper electronic composition with the rhythm of a drum machine.

VIDEO PREVIEW

_____CASTELLANO_______________________________________

Mañana se presentara Live from the Surface of the Moon en el Goethe-Zentrum Santa Cruz de la Sierra, Bolivia

Jueves, 8 de Marzo 2012 - 20:00h
Goethe-Zentrum Santa Cruz de la Sierra | Santa Cruz

C/ 24 de Septiembre # 36

Casilla 790

Santa Cruz de la Sierra

DESCRIPCIÓN

Live from the Surface of the Moon es un performance audiovisual, en el cual se mezclan técnicas low-fi heredadas de las artes visuales y escénicas  (pintura, uso de espejos, maquetas, objetos, iluminación low-fi, sonidos analógicos) con tecnologías contemporáneas (live camera, herramientas de Video Jockey, live video mix, midi para sonido e imagen). El resultado es un viaje surrealista, critico y lleno de humor. Una video-transmisión en directo desde la superficie de la luna sus alrededores.

Karla Kracht nos transporta visualmente a un escenario de animación en directo donde unos diminutos personajes de papel y pintura nos sorprenderán una y otra vez con las más disparatadas peripecias. El espacio exterior, La luna y su lado oscuro, agujeros negros…. Todo ello en directo, mezclando técnicas de stop motion, modelismo e iluminación con una cámara de vídeo y programas de live cinema.

Ilia Mayer crea un paisaje sonoro oscuro y fantasmal en directo, recreando cacofonías distorsionadas de mundos extraterrestres, utilizando para ello diferentes materiales sonoros, bancos de sonido de la NASA, samplers de origen desconocido  y composiciones propias a ritmo de “drum machine”

VIDEO PREVIEW

We have a preview exhibiton @inartplatform. Opening the 8th of March 2012 at 17:30. The exhibition will be running until the 5th of May 2012.

A a collective exhibition for the future residents at Incheon Art Platform.

Venue: Incheon Art Platform | MAP

10:00 to 18:00 (Sun-Thu), 10:00 to 20:00 (Fri, Sat)

http://www.inartplatform.kr

Event on facebook

I’ll be off to Bolivia for a creation residency at mARTadero in Cochabamba until may! There I will develop the installation zoomɯooz together with Andrés Beladiez. I have a project blog, where you can follow the work in progress: zoomɯooz blog

Additionally, Live from the Surface of the Moon will be presented at various places in Bolivia and Peru.

The planned tour schedule is: 

08. MAR 2012 – 20.00h
Goethe-Zentrum Santa Cruz
Santa Cruz de la Sierra – Bolivia

10. MAR 2012 – 20.00h
La Casa Ida
Lima – Perú

13. ABR 2012 – 19.00h
Instituto Cultural Boliviano Alemán
Cochabamba – Bolivia

Galeria Kiosko
Santa Cruz de la Sierra – Bolivia (Fecha por confirmar)

Instituto Cultural Boliviano-Alemán
Sucre – Bolivia (Fecha por confirmar)

mARTadero
Cochabamba – Bolivia (Fecha por confirmar)